Музыка́льная культу́ра Ита́лии. Италия – родина оперы, оратории, кантаты, многих жанров инструментальной музыки (симфонии, концерта, сонаты), некоторых вокальных форм (в том числе мадригала); итальянский язык считается особенно мелодичным и наиболее приспособленным для пения, итальянская музыкальная терминология используется в большинстве стран.

Античность и Средние века

Музыкальная культура Италии восходит к античной музыке (от которой сохранились лишь немногие образцы) и музыкальной теории (обобщённой Аврелием Августином, Марцианом Капеллой, Боэцием, Кассиодором). В Средние века основными центрами развития литургической музыки были Милан и Рим. В Милане в результате деятельности Амвросия Медиоланского сложилась традиция амвросианского пения. В Риме при папе Виталиане (понтификат 657–672) утвердилось пышное богослужение по византийскому образцу, а к началу 8 в. уже существовал постоянный папский хор, выполнявший среди прочего функцию подготовки церковных певчих.

Наиболее ранние нотированные рукописи датируются 11 в., большинство относится к 12–13 вв. Репертуар григорианского хорала, сложившийся на рубеже 8–9 вв. в империи Каролингов, утвердился на большей части Апеннинского п-ова только в 11 в., а в Риме окончательно лишь в понтификат Николая III (1277–1280). К этому времени в итальянскую церковную музыку уже проникло многоголосие, прежде всего из Франции и Англии. В средневековой музыкальной науке выделяется фигура Гвидо Аретинского (1-я треть 11 в.), который в своих трактатах не только обобщил и упорядочил музыкальную теорию своего времени, но и привёл её в соответствие с современной ему музыкальной практикой, реформировав нотацию и предложив принципиально новый метод обучения певчих. Церковным песнопениям родственны лауды (возникшие в 13 в. внелитургические духовные песни, преимущественно на итальянском языке).

Светская музыка также была широко распространена. На городских площадях и в замках феодалов с музыкальными номерами выступали гистрионы (менестрели). В Северной Италии, Тоскане, а также на Сицилии в 12–13 вв. развивалась лирика трубадуров (в записях их поэтических сочинений встречаются нотированные мелодии).

Этапным в истории музыкальной культуры Италии стал 14 в. (особенно его 2-я половина), ознаменованный расцветом профессиональной светской музыкальной культуры. В это время, соответствующее Проторенессансу в художественной жизни Италии (см. также Арс нова), появились первые известные итальянские композиторы – Якопо Болонский, Джованни Флорентийский, Франческо Ландини, которые сочиняли преимущественно в вокальных жанрах (баллата, качча, ранний мадригал). В исполнении этих полифонических (2-, реже 3-голосных) текстомузыкальных композиций нередко участвовали инструменталисты. Всего за период с середины 1330-х по 1420-е гг. сохранилось свыше 600 подобных сочинений, записанных в системе нотации, кодифицированной в 1320-х гг. Маркетто Падуанским.

Ренессанс

Считается, что после 1420 г. музыка в Италии переживала упадок, что не совсем верно: в это время распространились более сложные формы полифонии (3–4-голосие), возникли новые жанры светской музыки – вокальной (фроттола) и инструментальной (бассаданца – итальянский вариант бас-данса). Однако бо́льшую известность в этот период действительно получили сочинения, созданные представителями франко-фламандской (нидерландской) школы (Г. Дюфаи, Я. Обрехт, Й. Тинкторис, Ж. Депре и др.), которых охотно приглашали на службу в разные итальянские города.

В 16 в. музыкальная культура Италии вышла на ведущие позиции в Европе. Появились новые светские жанры, активно культивируемые в городском быту и при дворах знати, в том числе различные виды многоголосных песен (вилланеллы, позднее канцонетты и баллетто). Мадригал, представленный преимущественно 4–6-голосными ансамблевыми композициями на тексты Ф. Петрарки, Л. Ариосто, Т. Тассо и др., стал своеобразным музыкальным символом Италии эпохи Возрождения. Жанр, созданный в 1-й половине 16 в. (Ф. Вердело, А. Вилларт, Я. Аркадельт), достиг своего расцвета в последней четверти столетия в творчестве Л. Маренцио, К. Джезуальдо, К. Монтеверди, музыка которых была способна не только убедительно передать общее настроение поэтического текста, но и отразить тончайшие оттенки его содержания.

Джованни Пьерлуиджи да Палестрина. Национальная библиотека Франции, Париж.Джованни Пьерлуиджи да Палестрина. Национальная библиотека Франции, Париж.

Крупнейшими музыкальными центрами Италии стали Рим и Венеция. Представители римской школы (2-я половина 16 – 1-я половина 17 вв.) – Дж. П. да Палестрина, его ученики и последователи (Ф. Анерио, Дж. М. и Дж. Б. Нанино, испанский композитор Т. Л. де Виктория) – создавали многоголосную духовную музыку (мессы, мотеты, псалмы, гимны и другие песнопения) для вокальных составов а капелла. Полифонические духовные сочинения были переосмыслены в соответствии с решениями Тридентского собора, среди них: опора на отчётливое звучание богослужебных текстов, которому не должна препятствовать сложная контрапунктическая техника, а также запрет на заимствование светских напевов (в качестве утверждения постулатов собора была создана знаменитая «Месса папы Марчелло» Палестрины, опубликованная в 1567).

Венецианская композиторская школа, основателем которой считается А. Вилларт, наивысшего расцвета достигла в творчестве А. Габриели и его племянника Дж. Габриели, которые создавали многохорные композиции с яркими пространственными эффектами, контрастными сопоставлениями различных по плотности звуковых масс, нередко с участием инструментов. Венеция была основным центром нотопечатания. Уже к началу 16 в. стараниями О. Петруччи было налажено издание многоголосных сочинений. К концу 16 в. были опубликованы сотни книг духовной и светской вокальной музыки, а также органных и лютневых табулатур.

Большой популярностью в придворной среде и городском быту 16 в. пользовались сочинения для лютни – танцы, фантазии, а также интабуляции (переложения вокальных произведений). Среди лютнистов того времени общеевропейской известности достиг Ф. да Милано. Создавались сочинения и для различных инструментальных ансамблей, с участием как духовых инструментов (корнеты, тромбоны), так и струнных (в первую очередь виол).

Органная музыка (ричеркары, фантазии, канцоны) наиболее ярко представлена в творчестве А. и Дж. Габриели, а также их современников – А. Падовано и К. Меруло. К концу 16 в. вокальная и инструментальная музыка Италии начала оказывать существенное влияние на музыку других стран.

Эпоха Возрождения отмечена интенсивным развитием музыкально-теоретической мысли. В трактатах венецианца Дж. Царлино, в частности, получила развитие теория церковных ладов, предложена стройная теория мажора и минора (при отсутствии в ней самих этих терминов). Музыкальные теоретики (Н. Вичентино, В. Галилеи и др.) всё большее внимание уделяли античности; идея возрождения древнегреческой трагедии и предполагаемой античной манеры пения фактически привела к утверждению гомофонного типа музыкального мышления, наглядным выражением которого стала монодия с сопровождением. Результатом творческого процесса, которым были заняты участники Флорентийской камераты, стало возникновение оперы.

17 и 18 вв.

Первые оперы, созданные на тексты поэта О. Ринуччини, основывались на мифологических сюжетах. Это «Дафна», с музыкой Я. Пери и Я. Корси (1597–1598, сохранилось несколько музыкальных фрагментов), а также «Эвридика» Я. Пери (1600) и «Эвридика» Дж. Каччини (поставлена в 1602, партитура опубликована в 1600). Наиболее значительной из ранних работ в новом жанре, бесспорно, является 5-актная (с прологом) опера «Орфей» К. Монтеверди (на либретто А. Стриджо Младшего), представленная в 1607 г. в Мантуе.

В эпоху барокко (17 – 1-я половина 18 вв.) в музыкальной культуре Италии произошли существенные перемены. Заметно усилилась тенденция к её секуляризации, хотя формально в жанровой иерархии по-прежнему доминировали разновидности литургической музыки (Г. Аллегри, П. Агостини, О. Беневоли в Риме). Тем не менее значительная часть сочинений для церкви (мессы, мотеты и др.) уже имела инструментальное сопровождение, среди них было немало примеров т. н. концертирующего стиля (духовные концерты А. Банкьери и Л. Виаданы, литургические сочинения К. Монтеверди, Ф. Кавалли). К концу 17 в. многие образцы духовной музыки создавались под влиянием оперы. В понтификат Урбана VIII (1623–1644) большей инициативой в развитии оперы обладала римская школа (Л. Росси, С. Ланди, В. Маццокки и Д. Маццокки, М. Мараццоли), музыкальные спектакли (большей частью на нравоучительные сюжеты) пользовались поддержкой в среде высшего духовенства.

В середине 17 в. главным центром итальянского музыкального театра стала Венеция, где опера окончательно сформировалась как музыкально-театральный жанр: главной оперной формой стала ария, в обиход вошёл термин либретто, сложились основные принципы барочной сценографии. Из зрелища для избранных опера превратилась в публичный спектакль, сформировался оперный театр как тип архитектурного сооружения (одним из первых был открыт театр «Сан-Кассиано», 1637). К концу 17 в. в Венеции существовало не менее 7 публичных оперных театров, было поставлено более 350 различных произведений на мифологические и исторические сюжеты. Героико-трагическое начало нередко переплеталось с комедийным (например, в «Коронации Поппеи» К. Монтеверди, поставлена во время карнавала в 1642–1643). Главой венецианской школы 17 в. стал Ф. Кавалли, автор свыше 30 опер преимущественно на мифологические сюжеты («Дидона», 1641; «Ясон», 1649); традиции школы развивали А. Чести, А. Сарторио, К. Паллавичино, Дж. Легренци и др. К концу 17 в. в итальянской опере сформировался вокальный стиль бельканто, достигший расцвета в творчестве мастеров, работавших в 18 в. в разных итальянских городах, и особенно в Неаполе, где действовали несколько публичных оперных театров. В творчестве представителей неаполитанской школы, композиторов Л. Винчи, Дж. Перголези, Л. Лео, Н. Порпоры, представлены классические образцы оперы-сериа, драматургические принципы которой были выработаны А. Дзено и П. Метастазио.

Одновременно с оперой в Италии активно развивалась светская кантата – значительно менее развёрнутое камерное сочинение по мотивам античной мифологии для певца-солиста (реже 2–3 певцов) в сопровождении бассо континуо (многочисленные яркие примеры – в творчестве Л. Росси, М. Мараццоли, Дж. Кариссими, А. Страделлы, позднее А. Скарлатти). Большего исполнительского состава (при обязательном участии хора) требовала оратория, которая в Италии воспринималась как жанр духовной (хотя и не литургической) музыки. Она часто сочинялась на библейские и связанные с ними религиозно-аллегорические и нравоучительные сюжеты. К середине 17 в. сложилась разновидность оратории на латинские тексты, наиболее значительные образцы которой принадлежат Кариссими («Иевфай», «Суд Соломона» и др.).

Параллельно создавались оратории и на итальянские тексты (А. Страделла, А. Скарлатти, Дж. Перти, Дж. Бонончини, А. Лотти и др.), причём с последней четверти 17 в. оратория находилась под явным влиянием оперы (в композиционном отношении эти жанры к началу 18 в. уже мало в чём отличались, во время Великого поста любителям музыкально-театральных представлений оратория традиционно заменяла оперу).

Скрипка. Мастер Николо Амати. Кремона. 1669. Метрополитен-музей, Нью-Йорк.Скрипка. Мастер Николо Амати. Кремона. 1669. Метрополитен-музей, Нью-Йорк.В эпоху барокко значительно изменился музыкальный инструментарий. Место ренессансных шалмеев, корнетов, лютней, виол постепенно заняли гобои, фаготы, скрипки, виолончели. Важнейшую роль в итальянской барочной музыке сыграла скрипка, что во многом было определено достижениями скрипичных мастеров Н. Амати, А. Гварнери, А. Страдивари, добившихся великолепного качества звучания (скрипки и альты изготавливал также Г. да Сало). Инструментальная музыка, хотя и продолжала выполнять прикладные функции (сопровождение танцев, театральных представлений и богослужений), постепенно приобретала всё большую самостоятельность, способность к воплощению важных художественных задач. С этой сферой творчества связано формирование в 17 в. сугубо музыкальных композиционных закономерностей, в том числе становление фуги как высшей формы имитационной полифонии (важную роль сыграли органные сочинения Дж. Фрескобальди), складывались и активно развивались новые жанры – сольная (главным образом скрипичная) и ансамблевая сонаты, инструментальный концерт (в том числе кончерто гроссо), композиционные принципы которых к концу 17 в. типизировались в творчестве А. Корелли, Дж. Торелли и др.

В начале 18 в. у А. Вивальди окончательно сложилась разновидность концерта для солирующего инструмента с оркестром в 3 частях – быстрыми, динамичными крайними и медленной, лирической средней. Расцвету итальянской скрипичной школы в 1-й половине 18 в. способствовали П. Локателли, Ф. Верачини, Ф. Джеминиани, П. Нардини, Дж. Тартини. Существен вклад итальянских композиторов (Д. Скарлатти, Д. Альберти и др.) в развитие клавирного искусства, в частности в процесс формирования клавирной сонаты и становление сонатной формы. Не позже 1700 г. Б. Кристофори создал молоточковое фортепиано, которое в дальнейшем (в значительно усовершенствованном виде) вытеснило из композиторского арсенала клавесин и клавикорд.

Начиная с эпохи барокко многие итальянские музыканты работали за пределами Италии. Среди них были певцы, виртуозы-инструменталисты, а также композиторы, часто служившие придворными либо театральными капельмейстерами (А. Чести, А. Драги, позднее А. Кальдара – в Вене; А. Лотти – в Дрездене; Н. Порпора – в Лондоне; Д. Скарлатти – в Лиссабоне и Мадриде). Поистине общеевропейским явлением стала итальянская опера, которая уже в 1-й половине 18 в. звучала в большинстве европейских столиц (в Санкт-Петербурге с 1735 при дворе имелась постоянная итальянская оперная труппа во главе с Ф. Арайей). Особую притягательность придавало ей обязательное участие в операх-сериа певцов-кастратов (Сенезино, Каффарелли, Фаринелли, Дж. Крешентини и др.), покорявших публику разных стран своим вокальным мастерством, равно как и бельканто лучших итальянских певиц (Ф. Куццони, Ф. Бордони, К. Габриелли, В. Тези). Среди крупнейших мастеров итальянской оперы были и композиторы из других европейских стран (в том числе Г. Ф. Гендель, И. А. Хассе), приезжавшие в Италию с целью совершенствования своего мастерства. Как педагог и теоретик прославился долгое время возглавлявший Болонскую филармоническую академию Дж. Б. Мартини, советами которого пользовались Н. Йоммелли, И. К. Бах, В. А. Моцарт, А.-Э.-М. Гретри, М. С. Березовский и др.

С периодом расцвета оперы-сериа (2-я четверть 18 в.) совпало становление итальянской комической оперы, представленной поначалу неаполитанскими диалектными комедиями и небольшими интермеццо (классический образец – «Служанка-госпожа» Дж. Перголези, 1733), но уже к середине 18 в. ставшей вполне сложившимся жанром, известным под разными названиями (наиболее распространённое – опера-буффа). Значительное влияние на развитие оперы-буффа оказал К. Гольдони, чьи либретто легли в основу многих опер Б. Галуппи. В дальнейшем выдающиеся образцы этого жанра были созданы Н. Пиччинни, Дж. Паизиелло, Д. Чимарозой. Во 2-й половине 18 в. итальянская комическая опера порой заметно приближалась к типу мещанской драмы. В это же время в «серьёзной» опере наметилась тенденция к более тесной связи музыки с драматическим действием. Новаторские тенденции, созвучные оперной реформе К. В. Глюка, наиболее ярко выразились в сочинениях Н. Йоммелли и Т. Траэтты, а также А. Саккини, Дж. Сарти и последователя Глюка – А. Сальери.

Значителен вклад итальянских композиторов 18 в. в инструментальную музыку. В числе композиторов, подготовивших расцвет музыкального инструментализма классической эпохи, был Дж. Саммартини. Сольную виолончельную и ансамблевую литературу заметно обогатил Л. Боккерини, один из создателей классического типа смычкового квартета и квинтета. Клавирная соната после Д. Скарлатти получила развитие в творчестве Б. Галуппи, П. Парадизи, Дж. Рутини, Д. Чимарозы. В фортепианном репертуаре конца 18 – начала 19 вв. выделяются сонаты и инструктивно-педагогические сочинения М. Клементи, жившего преимущественно в Великобритании, которые по стилю близки музыке венских классиков.

19 в.

Новую эпоху в истории скрипичного искусства открыл Н. Паганини, художник романтического склада, оказавший влияние не только на развитие скрипичной музыки 19 в., но и на творчество крупнейших представителей романтического пианизма – Ф. Шопена, Р. Шумана, Ф. Листа, И. Брамса. Среди инструменталистов 19 в. выделяются контрабасисты Д. Драгонетти, Дж. Боттезини, гитаристы Джулиани.

В 19 в. внимание композиторов и публики было всецело приковано к опере. Расцвет итальянской оперы 1-й четверти 19 в. был во многом связан с деятельностью Дж. Россини; он обновил национальный тип оперы-буффа, заострив и углубив характеристики действующих лиц («Севильский цирюльник», 1816), в героико-драматических операх преодолевал штампы оперы-сериа, придавал особое значение хоровым сценам («Вильгельм Телль», 1829). Романтические тенденции получили особое выражение в операх В. Беллини и Г. Доницетти, творчество которых совпало с началом общественного движения Рисорджименто.

Джованни Больдини. Портрет Джузеппе Верди. 1886. Национальная галерея современного искусства (Рим).Джованни Больдини. Портрет Джузеппе Верди. 1886. Национальная галерея современного искусства (Рим).Одним из крупнейших мастеров мирового оперного театра стал Дж. Верди; его произведения характеризуются остротой драматических конфликтов («Риголетто», 1851; «Трубадур», «Травиата», обе – 1853; указаны годы первых постановок), отличаются единством драматического действия, возросшей ролью оркестра, индивидуализацией музыкальных характеристик («Дон Карлос», 1867; «Аида», 1871; «Отелло», 1887; указаны годы первых постановок). Ближайшими последователями Верди в опере были А. Понкьелли, композитор и либреттист А. Бойто (испытал также воздействие Р. Вагнера).

Под влиянием литературы в конце 19 в. в музыкальное искусство проникли идеи веризма (оперы П. Масканьи, Р. Леонкавалло, У. Джордано, Ф. Чилеа). Крупнейшим итальянским оперным композитором после Верди стал Дж. Пуччини. Оставаясь верным традициям бельканто, он усилил декламационную выразительность вокальной мелодики, обогатил новыми красками гармонический язык и инструментовку, придал им большое изящество [«Богема», 1896; «Тоска», 1900; «Мадам Баттерфляй» («Чио-Чио-сан»), 1904; «Турандот», 1926, и др.; указаны годы первых постановок].

Высокие достижения итальянской оперы в 19 – начале 20 вв. были связаны с блестящим расцветом вокально-исполнительской культуры. Среди выдающихся певцов: А. Каталани, И. А. Кольбран, Л. Лаблаш, сёстры Гризи, Дж. Паста, А. Бозио, Б. и К. Маркизио, А. Патти, Дж. Марио, Дж. Б. Рубини, М. Баттистини, А. Мазини-Пьералли, Дж. Ансельми, Ф. Таманьо, А. Тамбурини, Э. Тамберлик. Впоследствии славу итальянской оперы поддерживали певицы Дж. Беллинчони, А. Галли-Курчи, Т. Даль Монте, М. Канилья, М. Оливеро, Ева и Луиза Тетраццини, певцы Дж. Де Лука, Б. Джильи, Э. Карузо, Дж. Лаури-Вольпи, Дж. Мартинелли, Э. Пинца, Т. Скипа, Т. Руффо и др.

20 и 21 вв.

С конца 19 в. значение оперы в Италии ослабевало, наметилась тенденция к преимущественному развитию инструментальных жанров. Большой вклад в итальянскую музыку 20 в. внёс Ф. Бузони. Он выдвинул понятие «новый классицизм», противопоставлявшееся музыкальному импрессионизму и творчеству композиторов новой венской школы. В русле неоклассицизма сложилось творчество композиторов И. Пиццетти, Дж. Ф. Малипьеро и А. Казеллы, обращавшихся к формам и стилистическим приёмам итальянского барокко и мелодике григорианского хорала. К этой группе принадлежит и О. Респиги – мастер оркестровой звукописи (занимался в Санкт-Петербурге у Н. А. Римского-Корсакова). Заметную роль в итальянской музыке 1-й половины 20 в. играли Ф. Альфано, М. Кастельнуово-Тедеско и В. Риети.

После 1945 г. итальянская музыка впитала идеи авангарда (в том числе новой венской школы), но сохранила свою самобытность и уважение к традициям. Крупнейший композитор этого периода – Л. Даллапиккола, произведения которого приобрели известность уже после Второй мировой войны. Творчество Л. Берио, С. Буссотти, Р. Малипьеро связано с сериализмом, сонорикой, алеаторикой; Б. Мадерна экспериментировал в области электронной музыки. Особое место в итальянской музыке 20 в. занял Л. Ноно, обращавшийся к острейшим темам современности. В жанре оперы плодотворно работал Дж. К. Менотти (жил в США), в области литургической музыки – М. Фризина.

С начала 20 в. в Италии интенсивно развивается музыкально-исследовательская и критическая мысль (музыковеды Г. Барблан, А. Бонавентура, Г. М. Гатти, А. Делла Корте, Л. Торки, Ф. Торрефранка и др.).

Музыкальное образование можно было получить начиная с 16 в. в венецианских приютах и неаполитанских консерваториях. Во 2-й половине 19 в. консерватории становятся специальными высшими учебными заведениями, также появляются музыкальные институты. Ныне функционируют: Римская государственная консерватория «Санта-Чечилия» (1870; название и статус с 1923), Венецианская консерватория имени Б. Марчелло (1876, на базе музыкального лицея, консерватория с 1915), Миланская консерватория (создана по указу 1807, фактически открыта 3 сентября 1808; с 1901 имени Дж. Верди), Кремонский институт музыки (консерватория) имени К. Монтеверди (2002; основан на базе Общедоступной школы музыки Кремоны, созданной в 1970-е гг.), Мантуанская консерватория имени Л. Кампьяни (1972, как филиал Пармской консерватории, с 1980 получила автономию; на базе музыкального института, 1927), Флорентийская консерватория имени Л. Керубини (основана в 1849 как музыкальное учебное заведение при Академии изящных искусств, с 1923 Королевская консерватория имени Л. Керубини; в статусе высшего учебного заведения с 1999) и др.

Здание оперного театра «Сан-Карло» в Неаполе. 2014.Здание оперного театра «Сан-Карло» в Неаполе. 2014.

Среди крупных оперных театров – «Сан-Карло» в Неаполе (1737), «Ла Скала» в Милане (1778), «Ла Фениче» в Венеции (1792), Римская опера (1880). Большое влияние на развитие мирового оперного и симфонического исполнительства оказала деятельность дирижёра А. Тосканини. Видные представители музыкально-исполнительского искусства: дирижёры – К. Аббадо, П. Ардженто, Д. Гатти, К. М. Джулини, В. Де Сабата, Г. Кантелли, Р. Мути, Н. Сандзоньо, Т. Серафин, Дж. Синополи, Р. Фазано, В. Ферреро, К. Цекки; пианисты – А. Б. Микеланджели, М. Поллини; скрипачка Дж. Де Вито; виолончелист Э. Майнарди. Виднейшие итальянские оперные артисты 2-й половины 20 – начала 21 вв.: певицы – Ф. Барбьери, Ч. Бартоли, Дж. Симионато, Р. Скотто, А. Стелла, Р. Тебальди, М. Френи; певцы – Дж. Бекки, К. Бергонци, А. Бочелли, Т. Гобби, М. Дель Монако, Дж. Ди Стефано, П. Каппуччилли, Ф. Корелли, Л. Паваротти, Дж. Раймонди и Р. Раймонди, Ч. Сьепи.

В Италии действует множество оркестров, среди них: в Милане – оркестр театра «Ла Скала» (1872), оркестр имени Дж. Верди (1993); в Венеции – филармонический оркестр театра «Ла Фениче» (2007); в Мантуе – Камерный оркестр (1981); в Риме – оркестр Национальной академии «Санта-Чечилия»; в Турине – Филармонический оркестр (1992), Национальный симфонический оркестр итальянского радио и телевидения (Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI, 1994); во Флоренции – Региональный оркестр Тосканы (1980), Флорентийский камерный оркестр (1981).

Много известных оркестров и ансамблей Италии были созданы для исполнения старинной музыки – I musici di Roma (1951), Concerto Italiano (1984), Modo Antiquo (1984), Il Giardino Armonico (1985), La Venexiana (1997), Венецианский барочный оркестр (1997), Cremona Antiqua (2004).

Большую работу ведут итальянское музыкальное издательство и торговая фирма Ricordi.

Проводятся многочисленные международные музыкальные фестивали: «Флорентийский музыкальный май» (с 1933), Международный фестиваль современной музыки «Музыкальный биеннале» в Венеции (с 1956), «Неделя новой музыки» в Палермо (1960–1968), Фестиваль фортепианной музыки в Брешии и Бергамо (с 1964), Фестиваль имени К. Монтеверди в Кремоне (с 1983), Фестиваль старинной музыки Antiqua (с 1991) и Фортепианный фестиваль имени Ф. Бузони в Больцано (с 2002), Фестиваль классической музыки MITO SettembreMusica в Турине и Милане (с 2007; с 1978 проводился ежегодно как «Музыкальный сентябрь» в Турине).

Международные конкурсы: пианистов имени Ф. Бузони в Больцано (с 1949), «Вердиевские голоса» в Буссето (с 1961), мастеров струнных смычковых инструментов в Кремоне (с 1976) и многие другие.