Кла́ссика в музыке, 1) совокупность произведений европейской композиторской традиции, признанных художественными шедеврами независимо от исторической эпохи, жанра, стиля, направления и школы. В этом смысле к классике принято относить выдающиеся сочинения, созданные в эпохи арс нова, Возрождения, барокко, классицизма, представителями венской классической школы, романтизма, национальных школ 19 – начала 20 вв., импрессионизма, композиторами 20 в., в том числе новой венской школы.

2) Исторический стиль, утвердившийся в европейской музыке в середине 18 – 1-й четверти 19 вв. Называется также классическим стилем (или классицизмом в расширительном смысле). Уже в музыке Р. Кайзера, Дж. Б. Саммартини, И. А. Хассе, представителей неаполитанской (после А. Скарлатти), берлинской, мангеймской, ранней венской школ обнаружились новые стилевые признаки, отличающие её от музыки барокко: непосредственная эмоциональность (в противовес риторичности и символической нагруженности), мелодизм преимущественно гомофонного склада, простота двуладовой тональной гармонии, со временем – динамизм ритма и темпа. Новый стиль (именовавшийся галантным стилем, «чувствительным стилем») соответствовал духовному движению, вдохновлённому «спором о древних и новых» во Франции (Ш. Перро, Б. Фонтенель, А. У. де ла Мотт), которое интернационализировалось и приняло законченный облик в европейском Просвещении.

Отход нового поколения музыкантов от старого контрапунктического стиля был подготовлен декларативными высказываниями Г. Ф. Телемана, И. Маттезона («Critica musica», Bd 1–2, 1722–1725) о важности мелодии как источника эмоционального воздействия на «сердце» слушателя. Образцом для выразительного исполнения объявлялось сольное пение в итальянской манере (canto figurato), отсюда влияние итальянской оперы-сериа на все музыкальные жанры того времени, включая духовную музыку (теоретически обосновано Маттезоном в его трактате «Der musicalische Patriot», 1728). В самой опере-сериа проявилось стремление симфонизировать речитатив, сделать его аккомпанированным, драматизировать оркестровую партию (Л. Винчи, И. А. Хассе, К. Г. Граун, Н. Йоммелли, Т. Траэтта), что способствовало развитию автономного оркестра; оперная увертюра (итал. sinfonia) постепенно приобрела самостоятельность как инструментальное циклическое сочинение.

Наиболее острая полемика по вопросам музыки и оперного искусства, связанная с антагонизмом «старого» (барочного) и «нового» (классического) стилей, развернулась во Франции в 1750-х гг. (т. н. война буффонов, спровоцированная триумфальным успехом в Париже комедийных интермедий, в частности «Служанки-госпожи» Дж. Б. Перголези, исполненных силами итальянской труппы). Её итогом стало рождение французской комической оперы как самостоятельного жанра, ставшего ведущим во французском музыкальном театре 18 в. (Ж.-Ж. Руссо, Ф.-А. Филидор, П.-А. Монсиньи, А.-Э.-М. Гретри). Восприняв от оперы-буффа ведущую драматургическую роль музыки и развитые оперные формы, композиторы – авторы французских комических опер, немецких и австрийских зингшпилей (И. А. Хиллер, Й. А. Бенда, К. Г. Нефе, И. Хольцбауэр, Й. Гайдн, И. Умлауф, К. Диттерсдорф, В. А. Моцарт, В. Мюллер), русских комических опер (В. А. Пашкевич, Е. И. Фомин) – опирались на народную песню и танец, сохраняли разговорные диалоги. Особое место в развитии классического (и классицистского) музыкального театра занял жанр мелодрамы, в котором синтезировались диалог и оркестровая музыка (Й. А. Бенда, Е. И. Фомин).

На раннем этапе развития классического стиля сохранялись барочный инструментарий (бассо континуо, клавесин при явном падении интереса к органу) и связанная с ним фактура; для дальнейшего развития оркестрового инструментализма особую роль играла традиция «гармонической музыки» для медных духовых инструментов.

Инструментальные циклы (соната, симфония, концерт) эволюционировали в направлении поляризации контрастов (тональных, темповых) в противовес однотональной танцевальной сюите барокко. Раннеклассическая сюита – инструментальный дивертисмент – имела несколько разновидностей (кассация, серенада, ноктюрн), могла состоять из частей необязательно танцевального характера, число частей не регламентировалось. Из жанра ансамблевой сонаты выделились смычковые ансамбли без бассо континуо – квартет, квинтет (Й. Гайдн, Л. Боккерини), клавирная соната (Д. Скарлатти, Б. Галуппи, П. Парадизи, Дж. Рутини, К. Ф. Э. Бах, И. К. Бах), а также ансамбли с участием клавира, именовавшиеся клавирными сонатами с сопровождением скрипки, виолончели (И. Шоберт, Й. Гайдн). Постепенно формировался новый стиль клавирного исполнительства (на клавикорде, ранних формах фортепиано, успешно конкурировавших с клавесином благодаря богатым возможностям динамической нюансировки).

Гармония и фактура инструментальных сочинений радикально упростились. В выборе аккордов обособились трезвучия и септаккорды тоники, доминанты и субдоминанты (функции T, D и S), их обращения. Обобщающая концепция гармонии (зачатки теории тональных функций, учение о фундаментальном басе, терцовом строении и обращении аккордов), выдвинутая Ж.-Ф. Рамо и популяризированная Ж. Д’Аламбером, вначале встретила сопротивление как поборников мелодизма во главе с Ж.-Ж. Руссо, так и сторонников традиционного учения о генерал-басе (компромисс старой и новой теорий сохранялся до конца 18 в.). Композиторская практика опережала теорию: в функциональном ключе (как T, D, S) стали трактоваться не только аккорды, но и тональности, благодаря чему модуляционная система приобрела упорядоченность, централизованность. Если ранее гармоническое полнозвучие достигалось за счёт контрапунктического многоголосия и опоры на цифрованный бас, то на новом этапе гармония заполнялась разложенными аккордами, отчего фактура стала значительно прозрачнее (устойчивая примета классики – т. н. альбертиевы басы, названные по имени широко применявшего их в своих сочинениях композитора Д. Альберти). В ритмической организации всё явственнее становились опора на чёткие песенно-танцевальные структуры, квадратность в группировке тактов, метрическая экстраполяция (см. в статье Музыкальная форма).

Одно из главных завоеваний ранней классики – кристаллизация гомофонных форм, достигших вершины развития у венских классиков: возникли специфические формы изложения гомофонной темы (большое предложение, период повторного строения), однотемные «песенные» формы (простые двух- и трёхчастные), строгие фигурационные вариации; многотемные формы с выраженным контрастом устойчивого, экспозиционного изложения в темах и неустойчивого, модуляционного в ходах (рондо разных типов, сонатная форма). Строфическая (куплетная) форма получила развитие в жанре художественной песни (прежде всего немецкой Lied) для голоса соло с сопровождением поначалу цифрованного баса, затем фортепиано.

Зрелость стиля была достигнута композиторами венской классической школы, чьё творчество составило эпоху высокой классики в развитии инструментальной музыки (Й. Гайдн, В. А. Моцарт, Л. ван Бетховен) и музыкального театра (В. А. Моцарт). Их достижения окончательно утвердили самостоятельность исторических путей музыки, закрепили канон классической гармонии и классических музыкальных форм, в дальнейшем (до конца 19 в.) воспринимавшийся как извечные «законы музыки»: опора на естественные («природные») закономерности искусства, динамический взгляд на мир, строго логическое развитие музыкальной мысли (у Бетховена даже диалектически превращающейся в свою противоположность). Связанный с венскими классиками ценностный пик исторического развития был подготовлен предшествующими этапами классики, достижениями других национальных школ.

В России классический стиль развивался в силу исторических причин: императорский двор, заимствуя культуру просвещённого абсолютизма, привлекал на службу музыкантов-иностранцев (среди них – Ф. Арайя, Т. Траэтта, Дж. Паизиелло, Д. Чимароза). Отечественные композиторы заимствовали жанры европейской музыки и музыкального театра, в их творчестве складывались и совершенствовались те же формы, что и у их современников в других странах Европы. Специфический жанр русской классики, не имеющий аналогов на Западе, – духовный концерт для хора а капелла (сочинения такого рода на русской службе создавали Б. Галуппи, Дж. Сарти, затем М. С. Березовский, Д. С. Бортнянский).

3) В современном этномузыкознании классической принято называть неевропейскую музыку высокой традиции, основанную на ладомелодическом каноне (рага, макам и его региональные разновидности, патет и др.), укоренённом в соответствующей системе эстетических принципов. Наиболее развитые классические традиции – в музыке Индии и связанных с её культурой стран Южной Азии, в музыке стран Юго-Восточной Азии, стран арабо-мусульманской культуры, Китая, Кореи, Японии и др.